Cantó ‘Hound Dog’ antes que Elvis Presley, vendió medio millón de discos y apenas ganó dinero con una canción que hizo historia
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Durante décadas, 'Hound Dog' ha sido exclusivamente la canción de Elvis Presley para la gente. Basta escuchar los primeros compases para que aparezca automáticamente en nuestra mente la imagen del rey del rock moviendo las caderas frente a una audiencia enloquecida. Sin embargo, cuatro años antes de que Elvis la convirtiera en un hit mundial, la canción ya había sido un éxito en la voz de otra artista: Willie Mae "Big Mama" Thornton.
La diferencia es que, mientras que la versión de Presley pasó a formar parte del imaginario colectivo, la de Thornton quedó relegada a una nota a pie de página en el mejor de los casos. No porque fuera menos importante sino porque nació en una industria profundamente marcada por la segregación racial y las desigualdades económicas.
Antes de Elvis, estaba Big Mama Thornton
Cuando los jóvenes compositores Jerry Leiber y Mike Stoller compusieron 'Hound Dog' en 1952, no pensaron en Elvis Presley. La canción fue escrita específicamente para Big Mama Thornton, una cantante de blues de 25 años cuya voz rasgada, poderosa y desafiante era un portento.
Durante la sesión de grabación en Los Ángeles, Thornton hizo mucho más que interpretar la letra. Improvisó ladridos, aullidos y modificó el ritmo con la naturalidad de alguien que lleva el blues muy adentro. Aquella actitud desafiante quedó también reflejada en el significado de la canción.
Porque 'Hound Dog' nunca habló de un perro. El supuesto sabueso era, en realidad, un hombre oportunista que vivía a costa de una mujer. Una metáfora cargada de ironía con la que Thornton despachaba a quien pretendía aprovecharse de ella. Por lo tanto, era una canción de independencia femenina que sonó mucho antes de que ese tipo de discursos tuvieran espacio en el mercado musical.
Fue un éxito inmediato. En 1953 alcanzó el número uno de la lista de R&B de Billboard, donde permaneció siete semanas consecutivas y vendió más de medio millón de copias, una cifra extraordinaria para la época. Eso sí, la historia daría un giro de 180 grados poco tiempo después.
Cómo una canción cambió de dueño en el imaginario colectivo
En la década de los cincuenta era habitual que la industria musical estadounidense buscara grandes éxitos de artistas afroamericanos para volver a grabarlos con intérpretes blancos y explotarlos en el mercado pop mainstream. Las emisoras generalistas, dirigidas principalmente al público blanco, apenas programaban música de artistas negros, de modo que muchas canciones llegaban al gran público únicamente después de pasar por ese proceso de apropiación.
Eso fue exactamente lo que ocurrió con 'Hound Dog', aunque Elvis Presley ni siquiera tomó como referencia directa la grabación de Big Mama Thornton. Durante una actuación en Las Vegas, escuchó la versión que hacía Freddie Bell and the Bellboys, un grupo que ya había suavizado la letra y acelerado el ritmo. Esa reinterpretación eliminó gran parte del doble sentido original y del carácter mordaz de la canción para convertirla en un tema mucho más ligero y cercano al naciente género rockabilly.
Cuando Presley la grabó en 1956, el resto es ya historia: millones de copias vendidas y una canción convertida en uno de los mayores himnos del rock and roll. Mientras tanto, la responsable de la primera interpretación desaparecía del relato.
Big Mama Thornton apenas ganó dinero con 'Hound Dog'
Uno de los aspectos que más sorprende de esta historia es que el enorme éxito de 'Hound Dog' apenas cambió la situación económica de Thornton debido al funcionamiento de la industria discográfica de la época. Como intérprete, recibió un pago único por la sesión de grabación (500 dólares), pero no era la compositora de la canción ni poseía los derechos de explotación. Las regalías generadas por las ventas y las posteriores versiones correspondían únicamente a Jerry Leiber, Mike Stoller y a la discográfica propietaria de los derechos.
Así que el suyo no fue un caso excepcional, ya que el sistema favorecía que muchos artistas afroamericanos tuvieran que ver cómo canciones fundamentales para la historia de la música generaban enormes beneficios de los que apenas sacaban tajada.
Mucho más que la mujer detrás de 'Hound Dog'
No obstante, reducir a Big Mama Thornton a la cantante que grabó 'Hound Dog' antes que Elvis sería quedarse muy corto. Fue una intérprete que rompió con casi todas las normas impuestas a las mujeres en los años cincuenta. Tocaba la armónica y la batería, actuaba con una presencia escénica arrolladora y vestía con frecuencia trajes de corte masculino, proyectando una identidad artística completamente ajena a los estereotipos femeninos de la época.
Su influencia puede rastrearse en artistas tan diferentes como Janis Joplin o generaciones posteriores de cantantes de rock y blues que encontraron en ella un modelo de libertad interpretativa. Con el paso de los años, festivales internacionales de blues comenzaron a reivindicar su figura como una de las grandes pioneras que ayudaron a construir el sonido del que nacería el rock and roll.
Así que, aunque la historia popular haya puesto a Elvis Presley en el centro, cada vez resulta más difícil contar el origen del rock sin detenerse antes en la voz áspera e inconfundible de Willie Mae "Big Mama" Thornton. Es la mejor forma de entender su legado. No como la artista a la que le quitaron una canción, sino como una de las mujeres que ayudó a moldear un género entero mucho antes de que la industria estuviera preparada para reconocerlo.
Foto de portada | MGM y Dominio público
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60.000 inmigrantes han cruzado a Ceuta desde Marruecos en 24 horas
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Publicado 31/07/2026 - 11:01 CEST•última actualización 14:03
El Ministerio del Interior español cifra en más de 60.000 los inmigrantes que han entrado en Ceuta desde Marruecos en las últimas 24 horas, en una de las mayores crisis migratorias registradas en la ciudad autónoma. La llegada masiva de personas ha desbordado por completo la capacidad de respuesta de las autoridades españolas y de las organizaciones humanitarias desplegadas sobre el terreno, en una ciudad de apenas 83.000 habitantes.
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La crisis se agravó durante la jornada del jueves y la madrugada del viernes. Según el balance provisional, al menos 38 inmigrantes han muerto mientras intentaban alcanzar territorio español. La mayoría fallecieron cuando intentaban alcanzar la costa, aunque algunos perdieron la vida durante una avalancha registrada en el espigón del Tarajal, junto al principal paso fronterizo entre Marruecos y Ceuta.
Las imágenes difundidas en las últimas horas muestran a miles de personas cruzando la frontera, muchas de ellas bordeando los espigones que separan Marruecos de Ceuta. Entre quienes han llegado predominan los hombres jóvenes, aunque también se han visto familias con mujeres y niños. Este viernes, soldados españoles han comenzado a colaborar en el retorno de cientos de inmigrantes a Marruecos.
Rachid Sbihi, representante de una asociación profesional de la Guardia Civil en Ceuta, ha calificado la situación de "grave crisis humanitaria". Según ha explicado, miles de inmigrantes, entre ellos numerosos menores no acompañados, han pasado la noche durmiendo en parques y aceras, mientras otros deambulan por las calles sin un lugar donde alojarse.
"Las personas siguen entrando. Los refuerzos que han llegado solo pueden atender a los heridos y las necesidades humanitarias más urgentes. La situación es caótica", ha asegurado en declaraciones a AP. En redes sociales, numerosos vecinos se han quejado de la situación de inseguridad que ha creado la crisis por las calles de Ceuta.
Ante el deterioro de la situación, el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, movilizó el jueves al Ejército y se ha desplazado este viernes a Ceuta junto al ministro del Interior, Fernando Grande-Marlaska, para seguir de cerca la evolución de la crisis y coordinar la respuesta del Ejecutivo.
Por el momento, las autoridades marroquíes no han explicado las causas de esta llegada masiva de personas ni han realizado declaraciones sobre lo sucedido. Tampoco está claro qué ha provocado el brusco aumento de los cruces fronterizos, aunque las llegadas ya habían aumentado durante los últimos días.
Preocupación en Europa: Italia sopesa suspender el Schengen con España
La magnitud de la crisis migratoria en Ceuta ha comenzado a generar preocupación entre varios gobiernos europeos. Italia ha valorado la posibilidad de suspender temporalmente la aplicación del espacio Schengen con España para reforzar los controles fronterizos y evitar posibles movimientos secundarios de migrantes hacia otros países de la Unión Europea.
El jueves, el ministro de Exteriores de Italia, Antonio Tajani, se mostró partidario de suspender temporalmente el espacio Schengen con España al considerar que la inmigración irregular y descontrolada supone "un peligro para la seguridad nacional". Sus declaraciones provocaron la inmediata respuesta del ministro español de Asuntos Exteriores, José Manuel Albares, que calificó el mensaje de "impropio" y anunció la convocatoria del embajador italiano en Madrid.
"Este mensaje es impropio del ministro de Exteriores de un país socio y amigo, del que esperamos solidaridad europea y no demagogia partidista. Los hechos de hoy tienen relación con una sentencia, nada que ver con lo que dice el tuit. He convocado mañana al embajador de Italia", afirmó Albares.
Mientras tanto, el ministro del Interior de Francia anunció el viernes que Francia reforzará los controles en la frontera franco-española y Finlandia dijo el viernes que apoya excluir a España del espacio Schengen por lo ocurrido.
El debate se produce mientras Bruselas sigue de cerca la evolución de la situación en la ciudad autónoma. La Comisión Europea ha reiterado su apoyo a España en la gestión de la frontera exterior de la UE y mantiene contactos con las autoridades españolas para evaluar las necesidades sobre el terreno.
Fuentes adicionales • AFP, AP
Cuautitlán México pide entrega de San Mateo
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Cuautitlán, Méx.— El gobierno municipal de Cuautitlán México informó que solicitó formalmente a Cuautitlán Izcalli la entrega administrativa del pueblo de San Mateo Ixtacalco, luego de que en 2021 la Cámara de Diputados del Estado de México aprobó la unificación de la comunidad y hasta la fecha no se ha concretado.
Además, desde enero de 2025, el ayuntamiento de Cuautitlán México comenzó con gestiones ante el Instituto Nacional Electoral (INE) para la actualización de la cartografía, actualización de los domicilios de cerca de 8 mil personas y espera la entrega del poblado que fue dividido para dar origen a Cuautitlán Izcalli en 1973.
En entrevista con EL UNIVERSAL, el síndico municipal de Cuautitlán México, Ulises Sánchez, explicó que desde marzo de este año giraron un oficio a Cuautitlán Izcalli para solicitar la entrega administrativa, principalmente del equipamiento urbano y de las claves catastrales que se agregarían a la demarcación.
Sin embargo, Sánchez refirió que no han recibido respuesta todavía y el ayuntamiento de Cuautitlán Izcalli puntualizó no haber recibido una notificación formal.
Desde que ocurrió el decreto de unificación, agregó Sánchez, todas las partes involucradas debieron trabajar dentro de su área de competencia para cumplir con lo estipulado, a fin de brindarle certeza jurídica a los habitantes de la zona.
“El INE habla de 8 mil personas en estado nominal y hablamos de una población entre 10 y 12 mil habitantes, pero eso ya lo vamos a confirmar con la estadística que nos otorgue el Inegi”, mencionó el síndico de Cuautitlán México.
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Sobre actos de gobierno que ha seguido ejerciendo el municipio de Cuautitlán Izcalli en San Mateo Ixtacalco, dijo que “el deber ser tendría que ser hacer las denuncias, pero la presidenta ha instruido que tiene que llevarse de manera amistosa porque al final también son compañeros de partido. Daniel Serrano, hace como seis meses, en una conferencia, dijo que esa parte que pertenecía a Izcalli ahora es de Cuautitlán”.
El tema burocrático, en cuanto a la entrega que le compete al gobierno de Cuautitlán Izcalli, ha sido lenta desde que ocurrió el decreto, afirmó Ulises Sánchez, quien también sostuvo que desde entonces ya podrían ejercer actos de autoridad. En materia de seguridad, protección civil y servicios públicos ya están trabajando para revisar el servicio que pueden brindar a la población de San Mateo Ixtacalco; y reconoció que actualmente Cuautitlán Izcalli sigue brindando atención con la recolección de basura y un comité autónomo es el que administra el abasto de agua potable.
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David Ponce asume juicio ante “El señor de los cielos”
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Tras más de una década interpretando a Skinny en El señor de los cielos, el actor David Ponce asegura que el personaje le dejó mucho más que popularidad: responsabilidad.
Aunque reconoce que las narcoseries suelen generar debate, considera que también pueden abrir conversaciones sobre las condiciones que llevan a muchas personas a involucrarse en el crimen organizado.
El actor recalca que la ficción no debe confundirse con la realidad y que, como intérpretes, tienen la responsabilidad de recordar al público que los personajes pertenecen a una historia creada para tv.
“Estamos viendo una historia de ficción. Sí puede reflejar hasta cierto punto una realidad, pero al final somos artistas interpretando personajes. No estamos dando un buen ejemplo, solamente estamos contando una historia”, explica.
David cuenta que incluso ha recibido mensajes de jóvenes que le dicen que quieren ser como Skinny. Ante ello, dice, procura cambiar el rumbo de la conversación.
“Les digo: '¡Ah, entonces quieres ser actor! Hay que estudiar y prepararse’. Siempre trato de darle la vuelta porque lo que hace Skinny todos sabemos que no está bien”, explica.
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Para el actor originario de Acapulco, detrás de esas historias de violencia existen al mismo tiempo grandes problemas estructurales que van más allá de la televisión. Considera que ofrecer oportunidades a las nuevas generaciones sería una de las herramientas más eficaces para evitar que sean reclutadas por grupos criminales.
“Lo primero que tendrían que hacer los gobiernos es darle oportunidades a los jóvenes. Si estuvieran trabajando, estoy seguro de que no estarían ahí. El crimen organizado los busca porque son quienes tienen más fuerza y más futuro”, reflexiona.
Aunque Skinny forma parte del universo criminal de la serie, Ponce asegura que nunca quiso construirlo como un villano unidimensional. Su intención, explica, fue mostrar a un hombre marcado por sus circunstancias, pero también por grandes valores como la lealtad, la solidaridad y el cariño.
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“Quise que la gente no lo viera solamente por lo malo que hace, sino por el ser humano que es. Es un personaje que representa a la raza, al barrio, al pueblo, a quienes quieren salir adelante sin olvidar de dónde vienen”.
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Así fue la primera (y olvidada) serie de Spider-Man: sin efectos digitales y con un doble colgado de un helicóptero - LA NACION
calendar_today 31.07.2026 - person - timer ~9 Minutos
31 de julio de 202606:0110'minutos de lectura
Un gran poder conlleva una gran responsabilidad. Sobre esta premisa, Stan Lee y Steve Ditko edificaron el mito de Spider-Man, el personaje más importante de la factoría Marvel. Aparecido por vez primera en agosto de 1962, el Hombre-Araña se convirtió rápidamente en referente de la contracultura estadounidense de los años ‘60. Galvanizando las demandas de una juventud vulnerable y vulnerada, envuelta por conflictos generacionales y diversas tensiones político-sociales, el superhéroe representó el rechazo a los valores tradicionales de la posguerra, apoyando el movimiento hippie, la igualdad racial, la revolución feminista y el pacifismo contra la Guerra de Vietnam.
Elevado a la categoría de icono, saltó de las páginas impresas a la TV, los discos, la moda y los diferentes consumos masivos que marcaban tendencia dentro del entretenimiento de masas. Ante el estreno de su nuevo largometraje cinematográfico, Spider-Man: Un nuevo día, recuperamos la historia de la primera serie real action del trepamuros, estrenada en 1977. Protagonizada por Nicholas Hammond y el doble de riesgo Fred Waugh, El sorprendente Hombre-Araña fue un éxito tan efímero como contundente. Aplaudido por sus inmersivos efectos visuales y criticado por el propio Stan Lee, el programa terminó siendo cancelado por sus complejas condiciones de producción.
Clima de época
El Hombre Nuclear, La Mujer Biónica y La Mujer Maravilla. Tres de las series más vistas en los Estados Unidos durante la segunda mitad de los ‘70, y tres de las series que generaban mayores (y mejores) ingresos publicitarios. Básicamente, porque canalizaban marcas y productos destinados tanto a los chicos como a los adultos. En abril de 1976, no se hablaba de otra cosa en las oficinas gerenciales de CBS, por una razón muy sencilla: las tres series brillaban en la programación de la competencia, la cadena televisiva ABC.
“El clima de época dictaba que los superhéroes estaban de moda -contó el productor independiente Daniel R. Goodman-. Y lo iban a estar aún más, ya que todo el mundo descontaba el gran éxito que tendría la película de Superman con Christopher Reeve. Por eso me senté personalmente con Stan Lee, máximo referente de Marvel Comics y cara mediática de ese universo de ficción. Después de una ardua negociación, logré firmar un acuerdo para llevar a la TV de acción en vivo a su personaje más conocido: El Hombre-Araña. Y con ese contrato en la mano, me reuní con los gerentes de CBS, que compraron el paquete sin dudar”.
Acostumbrado a fumar bajo el agua, Lee había conseguido un salario como consultor general y supervisor de guiones. No solo para el Hombre-Araña, también para las producciones audiovisuales a realizarse con Hulk, el Capitán América, Los 4 Fantásticos y el Doctor Strange. CBS lo aceptó sin chistar, pero impuso una sola condición: el resultado final debería estar en las antípodas del clásico Batman de Adam West. Nada de colores brillantes, artificios exagerados ni personajes estrambóticos. Los paladines tendrían que interactuar con un mundo lo más adulto y realista posible, alejado del espíritu grandilocuente y trágicamente melodramático del cómic, sin supervillanos y (casi) sin presupuesto.
“Se decidió empezar con películas televisivas para Hulk y el Hombre-Araña - recordó Goodman-. Y si tenían buena recepción en el público, continuarían con sus respectivas series”. A El increíble Hulk, que sería protagonizada por Bill Bixby y Lou Ferrigno, se le asignó un perfil argumental con claras reminiscencias a El Fugitivo, recordada serie policial con David Janssen. Al Hombre-Araña, en cambio, le tocó seguir la aventura de corte fantástico que tan buenos resultados le había dado a El Hombre Nuclear.
El reparto se resolvió relativamente rápido. Nicholas Hammond, que había interpretado al segundo hijo de la familia Von Trapp en La novicia rebelde, se ganó el rol protagónico de Peter Parker y su arácnido alter-ego. A su lado, Jeff Donnell daba vida a la tía May y David White a J. Jonah Jameson, cascarrabias mandamás del diario Daily Bugle, donde Parker trabaja como fotógrafo freelance. Hilly Hicks se hizo cargo de Robbie Robertson, jefe de redacción del matutino sensacionalista; y Thayer David le puso el cuerpo al Dr. Edward Byron, gurú de la autoayuda que hipnotiza a sus seguidores para hacerles cometer distintos crímenes.
Los problemas comenzaron con el rubro de los efectos especiales. En esos años, la industria trabajaba con un sistema croma de superposición de imágenes en base a una pantalla azul, no verde como en la actualidad. Y la mitad del traje del Hombre-Araña es de color azul, con lo cual la tecnología más avanzada del momento podía utilizarse con Peter Parker, pero no con el superhéroe. “Creíamos que estábamos listos para grabar -afirmó Goodman-, pero estábamos completamente perdidos”.
Un trepamuros auténtico
Antes de bajar los brazos, Goodman llamó a su amigo, el productor Charles William Fries, experto en sacar las papas del fuego. “Presenté dos soluciones -contó Fries-. Una fácil: cambiar el color del uniforme del superhéroe de rojo y azul a rojo y negro. Y otra mucho más difícil: conseguir un actor que caminara por las paredes. Marvel prohibió la primera opción, así que tuvimos que salir a conseguir un trepamuros auténtico”.
El milagro llevaba el nombre de Fred Waugh, doble de riesgo tan obsesivo como detallista. Trapecista excelso, gimnasta de élite, artista marcial y veterano de sets televisivos y cinematográficos, tenía un talento oculto para el desarrollo tecnológico de efectos prácticos y reales, resueltos con recursos físicos y mecánicos, sin retoques de posproducción. “Me atrajo la idea y me encantó el desafío -declaró Waugh-. Para el Hombre-Araña, inventé un complejo sistema de cables y poleas, que me permitía saltar del piso al techo y deslizarme por las paredes, trepar por la fachada externa del Empire State y sobrevolar la ciudad de Los Ángeles colgado de un helicóptero. También desarrollé un casco-cámara, que permitió registrar el inmersivo punto de vista del superhéroe, mientras me balanceaba de un edificio a otro o saltaba al vacío desde la azotea de un rascacielos”.
Salvando las distancias con el dinámico resultado del actual CGI, los efectos de Waugh siguen viéndose fantásticos y sumamente eficaces. Principalmente porque él mismo se encargó de realizarlos, vistiendo el traje del Hombre-Araña en cada secuencia de riesgo. “No usamos trucos fotográficos ni miniaturas a escala -acotó Hammond-. Si mostramos a un hombre a 35 metros de altura es porque hay un hombre a 35 metros de altura; y si mostramos dos personas peleando en la cornisa de un rascacielos es porque hay dos personas peleando en la cornisa de un rascacielos. Todo lo que se ve en la serie es real”.
También era muy caro de filmar. Tanto, que CBS pensó seriamente descartar el proyecto y empezar solo con Hulk. “Se me ocurrió en medio de una discusión -reconoció Fries-. ¿Por qué no distribuíamos la película en el extranjero en cines? Hablé con la gente de Columbia Pictures y aceptaron llevarla a las grandes pantallas de Europa, Asia y el resto de América”. Corriendo contra el reloj, el film se rodó en tiempo récord, prescindiendo de estudios y resolviéndolo todo en locaciones reales de New York y Los Ángeles.
Spider-Man se estrenó el 14 de septiembre de 1977 y resultó un éxito. Superó los 17 puntos de rating y capturó el 30% del encendido estadounidense, convirtiéndose en el programa más visto de CBS en todo el año. Pero la relación entre los costos y la recaudación publicitaria no alcanzó los márgenes deseados por la televisora. A la espera de los resultados de la futura exhibición cinematográfica internacional del material, CBS decidió congelar el inicio de la serie. Para Goodman, “estábamos de vuelta en cero”.
Celeridad y recortes
“¿Y si en cada temporada agregamos un capítulo doble, que podamos montar como película para exhibir en el extranjero?“. No está claro a quién se le ocurrió la propuesta, pero CBS terminó dando el OK en la improvisada reunión de producción. “Nos aprobaron temporadas muy cortas, con pocos episodios -reconocieron Fries y Goodman-. Además, exigieron celeridad y recortes presupuestarios. Por eso, terminamos resolviendo en base a la disponibilidad antes que al talento”.
Los actores que tenían otros compromisos laborales, fueron reemplazados. Jeff Donnell y David White cedieron sus roles de la Tía May y J. Jonah Jameson a Irene Tedrow y Robert F. Simon, respectivamente. La ausencia de Robbie Robertson se resolvió con la incorporación de la secretaria Rita Conway a cargo de Chip Fields, actriz de larga trayectoria en Broadway.
Los guiones buscaron reflejar algunas de las situaciones políticas que poblaban las primeras planas de los diarios y los noticieros televisivos. Entre otros, la paranoia nuclear, el avance del terrorismo internacional, las sectas religiosas, el debate ético que abría la posibilidad científica de clonar al ser humano, y los golpes de Estado en América Latina, en un episodio dirigido por el argentino Fernando Lamas. “Los temas elegidos estaban muy bien, no así el tratamiento que se les dio a los personajes -reconoció Stan Lee años después-. Dejaron afuera el humor y los problemas personales, que eran la naturaleza del cómic. En ese sentido, la serie fue un desastre. Pero en lo actoral y técnico, fue excelente”.
El sorprendente Hombre-Araña (The Amazing Spider-Man) debutó el 5 de abril de 1978, estableciéndose como el octavo programa más visto de los Estados Unidos. A pesar de la buena respuesta, la televisora continuó descontenta con la diferencia entre los costos y los ingresos publicitarios, ecuación que la serie de Hulk había resuelto de mejor manera. Además, la incorporación de La Mujer Maravilla a la grilla televisiva de CBS, convenció a la gerencia de que ya tenían demasiadas series de superhéroes en el aire, razón por la cual terminaron cancelando intempestivamente al trepamuros. Con solo dos temporadas y apenas 13 capítulos, Spider-Man se despidió de sus fanáticos el 6 de julio de 1979.
Duelo de titanes
Con los episodios dobles de la serie, se terminaron montando tres largometrajes cinematográficos que se vieron en todo el mundo, incluida la Argentina: El Hombre-Araña (Spider-Man, 1978), El Hombre-Araña ataca de nuevo (Spider-Man Strikes Back, 1979) y El Hombre-Araña: El desafío del Dragón (Spider-Man: The Dragon’s Challenge, 1981). La trilogía anduvo muy bien de recaudación, tanto que la NBC tentó a los actores para resucitar la serie en 1983.
“La idea original fue de Bill Bixby -reveló Hammond en 2002-. La premisa era unir al Hombre-Araña y al Increíble Hulk en una película para TV, que sirviera de puntapié al relanzamiento de ambas series en un universo cohesionado de programas de Marvel. Pero el film no pudo concretarse porque Lou Ferrigno no estaba disponible, ya que se encontraba rodando Hércules en Italia. Una pena, porque a los fanáticos les hubiera encantado ver este verdadero duelo de titanes”.
Duelo que, si los rumores son ciertos, podría llegar a concretarse en Avengers: Secret Wars, a estrenarse en 2027. Destinada a cerrar la fase 6 del actual Universo Cinematográfico de Marvel, la película promete reunir a todas las diferentes versiones audiovisuales existentes de los superhéroes Marvel en una batalla que definirá el futuro de la franquicia. Extraoficialmente, Ferrigno y Hammond ya estarían confirmados; oficialmente, ninguno de los dos convalidó la información, pero tampoco la desmintieron.
Marilú Marini: su idea de libertad, el encuentro con Bioy Casares y su nuevo desafío como directora - LA NACION
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Indudablemente, Marilú Marini es la gran maga de la actuación. La señora de fina estampa, la experimental y la payasa de mil vidas, reinvenciones y mudanzas siempre la guio el espíritu de búsqueda permanente en el terreno de la performance, de la danza contemporánea o del teatro de texto en base a Samuel Beckett, William Shakespeare o uno de un dramaturgo contemporáneo.
Fiel a sus búsquedas, la gran admiradora y amiga de Jorge Luz y Niní Marshall en estos momentos está protagonizando en el Teatro San Martín Manifestum, una conferencia performática gestada por Oria Puppo en la que comparte escena junto a Franco Torchia. Los dos dan voz a testimonios y experiencias en primera persona que invitan a pensar el cuerpo y la diferencia. En el programa de mano de este trabajo coral en el que conviven textos de María Belén Correa, Andrea Cukier, Daniel Link, Alejandro Tantanian, Liliana Viola y Marlene Wayar, entre otros, se afirma de manera contundente: “Si no es queer, no molesta”.
En paralelo, inicia los ensayos de La lluvia de fuego, obra escrita por su admirada Silvina Ocampo en colaboración con Juan José Hernández, que estrenará en su rol de directora a fin de agosto, en el mismo Teatro San Martín.
Hoy, lunes, aprovecha su día de descanso para dialogar con LA NACION con la lucidez, la cercanía, la convicción y la ironía que siempre la ha caracterizado. “Hablar de la aceptación de la diferencia, como se propone Manifestum, es algo que me parece tan necesario indicar, hablar, señalar para poder generar un cambio de ideas. Lograr algo que tenga, justamente, la calidad de una conversación en un gesto que no es solamente de resistencia sino que es de invención de un futuro, como señaló hace poco la gran Lucrecia Martel”, señala apenas se prende el grabador.
-Tan actual es esa conversación que propone que el sábado, mientras hacías la función, durante la Marcha del Orgullo en Berlín un hombre embistió con una camioneta a una multitud y luego atacó a varias personas con un machete dejando un muerto y casi 30 heridos.
-Todo lo que está sucediendo es, verdaderamente, inquietante... El avance de la ultraderecha y la intolerancia es como un retorno a algo que quisiéramos evitar. Es un momento de una enorme vulnerabilidad en todo el mundo con todas estas guerras que estamos viviendo. En este contexto cuando me propusieron ser parte de esta constelación de autores y de actores que plantea que la diferencia no sea aceptada como rareza sino que sea incluida en todo el mecanismo social no lo dudé. Y a ese desafío se le sumó la posibilidad de dirigir la obra de Silvina, una poeta y escritora que sabés que yo tanto admiro. En tren de asociaciones, si Silvina hubiera estado aquí, seguramente un texto suyo sería parte de Manifestum.
-Silvina Ocampo se movió por fuera de la norma de lo establecido para su entorno. En perspectiva, vos también. De hecho, de joven en tu época del Instituto Di Tella te mandaron a la cárcel por un desnudo artístico.
-¡Desnudo de un ombligo, sí! [se ríe seguramente recordando cuando las fuerzas del orden de los 60 determinaron que pasara varios días en una cárcel de mujeres de San Telmo]. Es que al poder la posibilidad de apertura en la cultura siempre lo inquieta, en aquellos tiempos como ahora. El filósofo francés Gilles Deleuze dice: “El poder nos quiere triste”. Es una de las cosas que señala este Manifiestum en el que todas las voces de los autores evocados son de creadores potentes, radiantes...
En escena, el preciso andamiaje de esta voz coral incluye al humor, a la fina ironía. Un texto de Javier Sáez afirma: “El ano representa exactamente eso que el poder odia: la posibilidad de apertura”. En otro de Liliana Viola comienza de este modo: “Creo en el santo matrimonio y en la libreta roja que abre las puertas de los bancos, del plan familiar, del ‘así como me ves yo lo logré’. Creo en la pesadísima puerta que al cerrarse de golpe le pisa la cola a la novia y deja a la intemperie el culo, a los solitarios, las solteronas, los indecisas, los concubinos, los hijos por fuera de, las amigas, los amores que no se atreven, ¡o no quieren!, decir su nombre. Pero también: creo en el amor, en el amar y en el mar”.
En su cuerpo, en sus infinitas voces y gestos, Marilú Marini, la misma que hace unos años confesaba ser una actriz “muy culo inquieto” en permanente búsqueda, hace que estas palabras se apoderen de la sala como si fuera un viento huracanado dispuesto a todo.
“Lo importante de este espectáculo es que se presenta en una institución pública e institucional. No está hecho en una fantástica sala del off por la que hemos pasado y volveremos. Que esté situado en un lugar como el Teatro San Martín es muy significativo. De alguna forma, es decir que esto no es una rareza, que esto es parte de la estructura, de nuestro ámbito cotidiano. Las voces evocadas son ecos de otras voces que hablan de lo mismo. Es un discurso que moviliza y hace pensar”, apunta la maga de la escena en el bar de un hotel de Recoleta que ya hizo propio cuando filmó la película 27 noches, el film de Daniel Hendler.
Té para dos: su reencuentro con Silvina Ocampo
Esta vuelta a Buenos Aires la hizo sin la compañía de su pareja, Rodolfo de Souza, quien se quedó en París cuidando a la nueva casa. Al día siguiente de este encuentro tendría su primera reunión con el elenco de La lluvia de fuego. En perspectiva, iniciará un nuevo reencuentro con un texto de esa otra señora de fina estampa que tanto la seduce.
Como actriz, junto a Rodolfo de Souza, estrenó este texto en 1997, en el teatro de Bobigny, de París. Lo dirigió Alfredo Arias, la escenografía era de Robert Plate y se estrenó en la sala que dirigía el argentino Ariel Goldemberg. Esa noche, Adolfo Bioy Casares, pareja de Silvina Ocampo, estuvo presente. Lo sentaron en un gran sillón Voltaire azul como invitado de honor.
“Aquello fue emocionante porque fue tener al testigo de cómo se había gestado la obra -recuerda-. Vos sabés que yo siento un amor y una admiración por Silvina muy fuerte, es una de las grandes poetas y creadoras de la literatura argentina. Fue Bioy quien me había pasado la obra mucho antes de radicarme en París. Lo que fue muy conmovedor de aquella noche es que Bioy, después de ver la obra, tuvo una reacción como si esa misma noche hubiera descubierto ese escrito aunque tenían la costumbre de leerse lo que escribían. Esa noche recuerdo tener entre el público a alguien como Bioy que yo admiro no solo como creador sino como ser humano. Había algo en su mirada que tenía que ver con la pertenencia a ese grupo de escritores que gestaron el boom de la literatura argentina de un momento del siglo XX como también lo representaron [Juan José] Saer y [Julio] Cortázar. Pero Bioy y Jorge Luis Borges son como los abuelos o los padres de todo aquel movimiento”.
-Bioy Casares y Borges fueron figuras troncales de todo aquello. Si pensamos en el dueto que conformaron Victoria y Silvina Ocampo, Silvina siempre fue la más silenciada.
-Ella decía que no era social, que era íntima. En ese sentido me gusta mucho el libro que escribió Mariana Enríquez, La hermana menor, por su enfoque y por cómo describe la singularidad de Silvina. En su escritura la menor de los Ocampo toma elementos muy cercanos y cotidianos que se vuelven potentes, inquietantes, crueles, sorprendentes. Todo el erotismo implícito en su obra se manifiesta también en esa densidad de lo evocado, de alguna forma de lo prohibido. Silvina siempre juega con aquello que socialmente está sancionado, pero que son cosas tan deseadas por nosotros, los simples seres humanos...
Marilú Marini no llegó a conocerla. Pero después de aquella experiencia presenciada por el mismo Bioy Casares ubicado en un sillón Voltaire azul, en 2007, en la glamorosa Villa Ocampo le puso el cuerpo a otros textos de Silvina Ocampo dirigida, nuevamente, por Alfredo Arias. En Invenciones del recuerdo, vestida por Pablo Ramírez, estaba acompañada por Sandra Guida y Alejandra Radano. Culminaba con Axel Krygier interpretando en el gran piano de cola del salón No dejes que te olvide, un bolerazo de Bola de Nieve.
La cosa no quedó ahí. En 2009, estrenó Invenciones, en el Presidente Alvear, según dramaturgia y dirección de Alejandro Maci. “Silvina es una traviesa, una traviesa inspirada e iluminada. Trabaja lo coloquial y lo vuelve poético e imaginario. Por eso una azucarera de porcelana del salón de su casa se transformaba en una caja de Pandora llena de sorpresas que transmitía vibraciones que venían de otros mundos. Ella tenía ese poder justamente de hacernos ver detrás del espejo, como una poeta maga”, decía esta maga de la actuación en otro encuentro con LA NACION que transcurrió en medio de una tarde gris como la de hoy.
“Siempre traté de acercarme a ella porque es alguien que me nutre, que necesito -confiesa-. También es alguien a quien no termino de descubrir. Cada vez que indago sobre Silvina siento que abro nuevos roperos, nuevos cajones. De todos modos, reconozco, yo no soy una persona organizada en mi discurso, soy dispersa, Mi forma de acercarme a ella no es analítica, yo no tengo mucha capacidad de análisis...”.
-No te la creo.
-¡No..., es verdad! [suelta una risotada]. Sí tengo una intuición emotiva frente a lo que interpreto o leo. En Silvina siento una vibración que hace que ella me dé la posibilidad de entrar en zonas misteriosas, zonas tal vez censuradas por lo socialmente correcto. Por otra parte a su humor lo siento muy cercano.
Horas después de esta entrevista tendría su primer encuentro con el elenco que conforman Valeria Lois, Carolina Saade, Agustín Rittano, Damián Mai y Mercedes Beno Mendizábal que ya viene trabajando con el texto desde hace unas semanas.
-¿La situación de la primera reunión le genera dolor de panza?
-Me inquieta, diría. Me genera palpitaciones en el corazón. No es un momento temido pero que sí me conmueve mucho. En verdad, todo lo que uno desea mucho genera miedo, es así. Lo que me pregunto hoy es si podré poner en palabras o en comunicación mi propio encantamiento por Silvina para poder llegar a esos 5 actores que son gentes sensibles, creativas, explosivos.
-Cuando ahora volviste a leer la obra, ¿qué otra capa le descubriste?
-La lluvia de fuego es una obra que Silvina escribió con Juan José Hernández, gran poeta tucumano. Tal vez lo que se me presentó más claramente en la relectura es lo intrínsecamente argentino que tiene el texto. Va de la imaginación de la gente de la calle como el de las señoras que salen a la tarde con una silla a hablar con sus vecinas...; abarca todo ese mundo tan delicado e identitario que configura el mapa de eso que uno imagina como patria.
La patria de Marilú Marini tiene sus dobleces, sus distintas geografías con un puente concreto y vital entre Paris y Buenos Aires. En la conferencia performática se presenta de este modo: “Soy actriz y sueño en otra lengua que no es la materna. Me exilié hace muchos años. Armé mi casa y mi familia a muchos kilómetros de distancia de este suelo. Ahora mismo, para venir a leer durante 65 minutos de corrido en voz alta este Manifestum, me tuve que despedir de mi marido, que se quedó cuidando nuestra casa, y tomar un avión hasta la calle Corrientes, porque en el único lugar donde soy verdaderamente libre es en la escena. Ser actriz, para mí, significa ser yo en otros”.
Cuando vuelva a su nueva casa en París, ciudad en la que se instaló en lo 60, dejará en la cartelera su tercera propuesta como directora en Buenos Aires. A La lluvia de fuego, cuyo estreno previsto es para el 28 de agosto, hay que sumar Escritor fracasado, que protagoniza Diego Velázquez; y Matate amor, con Érica Rivas. En París, repondrá Les conséquences, obra escrita y dirigida por Pascal Rambert y una película.
Para placer del espectador, Marilú Marini nunca para. Su magia nunca se detiene.
Para agendar
Manifestum, conferencia performática de Oria Puppo según dramaturgia de Eugenia Pérez Tomas y Puppo. Teatro San Martín, Corrientes 1530. Funciones: de miércoles a sábados, 19:30; y domingos, 18.30. Precio localidades: miércoles, a 12.000 pesos y el resto de los días, a 21.000.
Karina Rodríguez apunta al Mundial 2027 con la Selección Mexicana Femenil
calendar_today 31.07.2026 - person - timer ~2 Minutos
Para Karina Rodríguez, vestir la camiseta de la Selección Mexicana representa un honor, y que el equipo esté enfocado en cumplir con el objetivo de conseguir la clasificación al Mundial de Brasil 2027, después de dos ediciones de ausencia (Francia 2019 y Australia/Nueva Zelanda 2023), es todo para ella.
“Cada vez que me toca poner la playera de México es un honor, y que todo el país esté trabajando para conseguir eso, es un orgullo”, afirmó para EL UNIVERSAL Deportes la defensa central de las azulcremas.
También reconoció que existe una responsabilidad importante por parte del grupo tricolor, pero aseguró que las futbolistas que han formado parte de las convocatorias están concentradas en cumplir con el proceso para estar en la gran justa el próximo año.
“El equipo y cada una de nosotras que está en cada convocatoria lo está haciendo muy bien y, seguir con el trabajo que tenemos que hacer, es la clave paralograr eso”, señaló Karina.
Rodríguez también destacó el crecimiento que ha tenido la Liga Femenil en los últimos años y consideró que el desarrollo de la competencia puede ser clave para construir una Selección Nacional competitiva a nivel internacional.
“Creo que en general ves que la Liga está creciendo mucho, hasta estos dos campeonatos recientes viste que muchas personas están viendo el futbol femenil”, agregó la zaguera central.
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La defensa también pidió a la afición mantener el apoyo al equipo nacional y aseguró que las jugadoras comparten el deseo de volver a darle alegrías a México.
“Nosotras queremos lograr eso, queremos dar alegrías a este país, a esta afición, entonces a seguir apoyando porque sí se va a lograr”, sentenció.
El combinado verde femenil se enfrentará a Haití en noviembre próximo, en caso de ganar, tendrá su lugar seguro en el Mundial de Brasil 2027.
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“No hace falta drama para hablar de amor”: Saga Garðarsdóttir
calendar_today 31.07.2026 - person - timer ~2 Minutos
Saga Garðarsdóttir creyó que las grandes historias de amor eran las más intensas. Así se lo enseñaron cuando estudiaba actuación, las relaciones llenas de conflictos, discusiones y emociones desbordadas parecían ser las más interesantes para interpretar. Con el tiempo, la vida le hizo cambiar de opinión.
"Cuando estudiaba actuación nos enseñaban que las grandes emociones eran las más interesantes, que las relaciones dramáticas eran las grandes historias de amor. Pero la vida me enseñó otra cosa: el amor más grande está en la calma, en poder estar relajado junto a la persona que amas.
“Ahí también existen emociones enormes. No hace falta el drama para hablar del amor", comparte la actriz islandesa a EL UNIVERSAL.
Esa reflexión terminó por darle sentido a El amor que permanece, la nueva película del director Hlynur Pálmason, donde interpreta a Anna, una artista visual que intenta reconstruir su vida después de separarse de Magnus, el padre de sus tres hijos.
La cinta, que representará a Islandia rumbo al Oscar y hoy llega a las salas mexicanas, evita convertir el divorcio en una batalla y apuesta por retratar aquello que permanece cuando una relación termina.
Para la actriz de 38 años, esa fue precisamente la razón por la que aceptó la película.
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“Hlynur no estaba interesado en mostrar las grandes peleas, las discusiones frente a los hijos o el momento de la ruptura. Todo eso ya lo hemos visto muchas veces”.
En realidad, explica Garðarsdóttir, el cineasta quería abordar las partes más complejas y también las más hermosas de una separación.
“Muchas veces nadie sabe exactamente por qué una relación termina. El amor quizá ya no es el mismo, pero siempre queda algo. Para Anna, Magnus sigue siendo una parte enorme de su vida y, por supuesto, todavía lo ama, aunque ya no quiera estar con él”, explica en entrevista.
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En la película no hay villano ni víctima. La separación ya ocurrió cuando inicia la historia y lo que el espectador observa es el intento de dos personas por reorganizar su familia sin dejar de compartir el cariño que construyeron durante años.
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El alud de inmigrantes desborda Ceuta y obliga a una respuesta severa del Gobierno
calendar_today 31.07.2026 - person - timer ~4 Minutos
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Ceuta es, este viernes, muchas ciudades en una, después de que ayer, en cuestión de horas, miles de marroquíes -la inmensa mayoría jóvenes, pero también familias- bordeasen el espigón de El Tarajal para pisar territorio español. La ciudad autónoma tiene aspecto de un amanecer en cualquier festival de música, con cientos de chavales tirados en el césped de parques o en la arena de la playa, durmiendo en bañador, sin más equipaje que resguardar que unas bolsas de plástico.
El Gobierno estima que han entrado 50.000 personas aproximadamente desde la madrugada del 30 de julio a la ciudad autónoma. De estos, 25.000 habrían regresado ya este viernes a Marruecos, a un ritmo de 150 personas por minuto, según los mismos cálculos. Las cifras difieren de las del presidente de Ceuta, que ha elevado a 60.000 el número de migrantes que han cruzado ilegalmente la frontera.
Ceuta parece una ciudad sitiada, con vehículos del Ejército de Tierra patrullando de un lado para otro, dando tintes bélicos a la mayor crisis migratoria bilateral entre España y Marruecos desde 2021. Otra cara es la de una ciudad a medio gas, como en día festivo, con vecinos en sus casas, y sus bares y comercios cerrados: ayer por la tarde decidieron echar las persianas ante la incertidumbre generada por la entrada masiva que podría pulverizar cualquier estadística anterior.
Con el Centro de Estancia Temporal de Inmigrantes (CETI) saturado, centenares de jóvenes han acampado en sus inmediaciones durante toda la madrugada con la esperanza de ocupar una del medio millar de plazas con las que cuenta. El resto, en grupos de decenas, deambulan por el centro de la ciudad, con vecinos que contemplan atónitos una estampa que no recuerdan. Están los que reúnen monedas para desayunar a la espera de que algún gran supermercado abra sus puertas. Están los que se dirigen a la zona del puerto con la (poca) esperanza de poder coger un ferry que les lleve a la península. Están los que se agolpan en tiendas de telefonía para comprar una tarjeta móvil para hablar con sus familiares. Y están los que, ya, se plantean realizar el camino inverso, volver a cruzar la frontera ante el agotamiento. La euforia de ayer ha dado paso a la incertidumbre de hoy.
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En la ciudad autónoma, desbordada, que ha cancelado su feria, hay muchos menores de edad. No hace falta comprobarlo en ningún documento de identidad, sus rostros les delatan. Van descalzos, con el bañador con el que se echaron al mar, con fundas de plástico en las que guardan sus teléfonos. No hablan castellano, pero con pocas palabras y (muchos) gestos transmiten su deseo de no volver a Marruecos. En su país le contaron que en España había oportunidades para ellos. Y se corrió la voz de que la frontera estaba totalmente abierta. La crisis de 2021, entre otras, dejó la lección de que los menores no podían ser expulsados de manera colectiva, que es necesario realizar expedientes individualizados en los que se examine el interés del migrante no acompañado, por lo que ahora, uno de los grandes retos a los que se enfrentará el Gobierno será el dar una respuesta humanitaria a los chavales menores de 18 años que no muestren voluntad de volver a su país.
El número de las personas que han entrado en las últimas 24 horas ha superado a las 10.000 registradas durante el pulso que el reino alauita echó a España en el 2021, zanjado con el giro del Gobierno de Pedro Sánchez con respecto a la posición del Sáhara Occidental, alineado con la postura de Rabat. Las fuerzas de seguridad han recuperado 24 cadáveres de personas que trataron de entrar a nado en Ceuta. El presidente de Ceuta ha elevado la cifra a 34 fallecidos. La otra gran incógnita de la crisis es la causa de la avalancha. Sobre la mesa hay varias razones, aunque en (casi) todas coincide la permisividad con la que Marruecos actuó ayer, después de días colaborando para frenar a los migrantes que trataban de cruzar a nado.
Joaquín Vera
Periodista especializado en información de Interior, Seguridad y Terrorismo
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Redactor de la sección de Política de La Vanguardia. A cargo de la información de Interior y Defensa, con el foco en la Seguridad y el Terrorismo
Es oficial: el Gobierno cambia las normas y, a partir de ahora, prohíbe despedir a los trabajadores españoles que informen sobre casos de corrupción en su empresa
calendar_today 31.07.2026 - person - timer ~2 Minutos
El pasado 28 de julio, el Ejecutivo lo hacía oficial. Con la aprobación de la propuesta emitida por el Ministerio de Trabajo y Economía Social, el Gobierno modificará el texto de la Ley del Estatuto de los Trabajadores. En concreto, se añadirá un supuesto más en el apartado de la protección de las personas trabajadoras que informen sobre infracciones normativas y de lucha contra la corrupción.
"Resulta necesario reforzar las garantías de indemnidad en el ámbito laboral, mediante la modificación de los preceptos correspondientes contenidos en el texto refundido de la Ley del Estatuto de los Trabajadores, ya que el sistema de protección quedaría enormemente debilitado si su respuesta se circunscribiese a garantizar la percepción de la indemnización prevista para el despido improcedente", sostiene el ministerio.
"Denunciar la corrupción no puede costarte el trabajo. Aprobamos una medida de protección para las personas trabajadoras que denuncien infracciones o corrupción en sus empresas. El despido por denunciar será nulo", se especifica en el anuncio que emitía el Ministerio de Trabajo en su perfil oficial de Twitter esta misma semana.
"El texto recoge la prohibición de discriminación, directa o indirecta, para el empleo o, una vez iniciada la relación laboral, la nulidad del despido durante el periodo de prueba, la nulidad de las órdenes de discriminar y de las decisiones de la empresa que supongan un trato desfavorable o una represalia, la nulidad del despido por causas objetivas y la nulidad del despido por causas disciplinarias, cuando se produzcan con ocasión de una revelación o de la presentación de información o comunicación conforme a lo previsto en la Ley 2/2023, de 20 de febrero reguladora de la protección de las personas que informen sobre infracciones normativas y de lucha contra la corrupción", se indica en la nota de prensa del Ministerio de Trabajo.
Y no es ese el único cambio que contempla la aprobación de esta nueva medida. Se incluye, además, la "prohibición de represalias, amenazas o cualquier trato desfavorable o discriminatorio al denunciante o sus familiares. Se refuerzan las garantías frente al uso de poder disciplinario como represalia por denunciar", se garantiza.